La interminable búsqueda de la sustancia activa

La interminable búsqueda de la sustancia activa

Rolando López | 2014

Una de las piezas presentadas por Edgar Palacios (Paxonsky Lutzenjointer) el pasado miércoles 28 de mayo, en la exhibición final de lo que fue su estadía en el Centro de Artes Visuales, me llamó poderosamente la atención.

La pieza a la que me refiero se llama  “7 ciegos, 4 diegos y 1 kilate”; y consiste en  12 bolsas de diferentes tamaños, que sirvieron de empaque para transportar drogas que unos cuantos afortunados han probado.

Ponen en evidencia lo que ya todos sabemos. Que el trafico de estupefacientes es una realidad latente en nuestro contexto y que el hijo del vecino también se “pone chido” y que claro,  no quiere que lo toquen.

Uno de los aspectos que más llama mi atención es el evidente interés de Paxonsky por el hábito de coleccionar. Ese ir guardando poco a poco, aquello que al parecer, solo es un residuo más de lo que la celebración del día de anterior dejó sobre el viejo sillón que a la mamá de Edgar le gusta para tomar la siesta.  Pequeños trozos de zanahorias negras, totalmente secas o un sin fin de semillas que bien podrían servir para iniciar otro buen hábito, el de sembrar  mariguana en un amateur huerto casero.

¿Por qué en pleno siglo XXI, un tipo estaría interesado en coleccionar esas “porquerías”? ¿Por qué no solo satisfacer su necesidad de coleccionar todos los momentos de su vida por medio de una excelente sesión fotográfica generada por medio de  su dispositivo móvil de alta tecnología ?  Incluso ¿Por qué al señor Paxonsky, no le basta con grabar sus fiestas con su pequeña cámara de video?

Como un primer ensayo, me parece interesante mencionar que a pesar de vivir una agitada existencia en el mundo virtual, ésta no parece suficiente para llenar nuestras expectativas de lo que queremos experimentar, de lo que queremos ser. Tenemos una gran necesidad de tener contacto con el mundo físico; aunque este lo sea, con la más minúscula semilla que ayer se despreció porque era un estorbo para la conformación del “churro” que produjo que el tiempo se astillara. O, eso semitransparente que descubrió  que estaba debajo de la cama, cuando sacó deprisa el par de zapatos deportivos que le sirven para todo, menos para hacer deporte.

Reconocer,  aunque sea por un instante, que esa pequeña bolsa con los pocos residuos que no se lograron consumir la noche anterior, es un elemento que me ”conecta” con las otras esferas de la realidad de la cual me alejo o me adentro (según se prefiera) cada vez que se consume de la verde. Me interesa explorar cómo esas 12 bolsas nos hacen evidente la clara necesidad de tener contacto con la materialidad del mundo. Esa cosa que poco a poco se vuelve igual de transparente (sin sustancia activa), como la sucia bolsa que transportó aquel “kilate” de la rojilla de Oaxaca que tantas noches le sirvió a Edgar para volver o alejarse de su constante estado apático. 

A propósito de Arte Joven…

¿Ha afectado tu obra el hecho de haber ganado el Encuentro Nacional de Arte Joven?

Desde hace algunos años he tenido oportunidad de contactar a jóvenes premiados y/o seleccionados en el Encuentro Nacional de Arte Joven (ENAJ), que año con año se inaugura en el marco de la Feria Nacional de San Marcos, en la ciudad de Aguascalientes. Las circunstancias en las que he contactado a estos jóvenes varían en cada caso, pero de todas tengo buenas experiencias. Por el momento me centraré en el chavo que obtuvo una mención el año pasado y con quien he podido platicar un par de ocasiones por internet.

Todo comenzó cuando asistí a la premiación del mencionado encuentro en la Casa de la Cultura Víctor Sandoval y entre las piezas seleccionadas para la muestra nos llamó la atención (a un compañero de La Agencia y a mí) una pieza que tenía mención y estaba realizada con monedas de 10 centavos, pegadas sobre una superficie negra. En la ficha técnica se podía leer el nombre del autor, el título de la pieza, una descripción que decía: “Salario mínimo en monedas de 10 centavos/transcripción de código en braille del art. 123 constitucional “, también decía las medidas y el lugar de procedencia.

Uno de los aspectos que observamos de la pieza tiene que ver con el montaje de las monedas sobre el soporte negro y es que al estar conformada por tan pocos elementos era notorio que el trabajo de montaje no era muy limpio que digamos y que además ese descuido no era intencional. Estuvimos platicando sobre el asunto ya que al ser éste un Encuentro de carácter nacional y con la trayectoria que tiene, parecía no ser congruente con la calidad que se presume debe tener un certamen de tal envergadura.

Si bien el detalle del que hablábamos era una cuestión que en lo personal no nos parecía grave, nos cuestionábamos sobre el discurso de la institución. El caso es que éste fue el punto de partida para entablar un diálogo con uno de los jurados de esa edición, que en ese momento se encontraba en la galería y a quien conocemos de hace algunos años. Le preguntamos qué había pasado con esa pieza, si se había percatado de los detalles del montaje al momento de seleccionarla, entonces nos contestó que el autor había mandado las monedas en un sobre, con las instrucciones para su montaje, de manera que quien la montó fue el personal asignado por los organizadores.

Luego anoté los datos de la ficha técnica, con la intención de contactar al artista. Estuve buscándolo por las redes sociales sin éxito, hasta que, por medio de un chavo que también conocí gracias al ENAJ (pues fue uno de los premiados en la edición anterior del certamen) logré localizar al autor de esta pieza sobre el salario mínimo: Alejandro Gómez Arias, también conocido como Meme.

Una vez que lo localicé me presenté y le hablé sobre La Agencia y el interés que tenemos como grupo sobre el arte contemporáneo, le dije que nos gustaría hacerle una entrevista, nos pusimos de acuerdo y unos días después la llevamos a cabo, aunque por cuestiones de tiempo la dejamos inconclusa y fue hasta muchos meses después que finalmente la concluimos.

Fueron varios los temas que abordamos: su formación artística, su participación en un proyecto colectivo, su labor como docente[1], sus intereses personales y por supuesto la realización de la pieza mencionada.

Respecto a la pieza seleccionada en el ENAJ, en su edición del 2013, titulada Mínimo (C.M.G.M.) me contó que forma parte de su proyecto (Capitalismo flexible) + (intrusión sistémica) que tiene que ver con el salario mínimo o sus múltiplos y aunque esta pieza es la primera de la serie, ya ha realizado varias más. Me preguntó si había visto el texto de sala, que era parte importante de la pieza, era para que la gente se lo llevara a su casa (el que por cierto no vi y hasta el momento no tengo noticias de que se haya puesto a disposición del público en la galería).

Y agregó textualmente:

La pieza está hecha con el equivalente de un salario mínimo.  Es una transcripción en código braille del artículo 123 constitucional que habla sobre para lo que debe alcanzar el salario mínimo, que es irrisorio porque te debe alcanzar para todo con 64.7 pesos. Es simplemente imposible, entonces fue trabajar conceptualmente el tema, la idea y la materia.

También me confirmó que efectivamente para su participación en el ENAJ envió las monedas y las instrucciones para su montaje. Al preguntarle por qué decidió que las monedas se montarán acá contestó:

Porque tenía que ver con la idea de “mínimo” del título, pero sobre todo conceptualmente la idea era hacer arte con lo mismo que alguien gana para comer diario. Si le ponía un marco o algo más ensuciaba la idea, incluso saldría más cara, estaría contradiciéndome. Sólo quería utilizar el material exacto, no más. Además es una interpretación del lenguaje para ciegos es como decir que vemos sin ver.

Por un momento pensé que su interés tenía que ver con que la institución pusiera algo: el soporte, pero luego me aclaró:

Es como para cualquier otra obra, ponen un clavo para un cuadro. Lo que más me hubiera gustado ver es a la gente montándola porque allí si se pone algo más: trabajo. Me hubiera gustado saber cuánto tiempo les llevó, porque es parte de la reflexión, incluso hacer otra pieza a partir de ello. Es importante pienso, porque no fue la institución, fue una persona que le invirtió tiempo y el tiempo en el sistema capital es dinero.

Cabe aclarar que si bien en la edición del ENAJ del 2013, Meme recibió mención por la pieza antes nombrada, ya en ocasiones anteriores había tenido participación en el encuentro obteniendo en 2008 uno de los premios de adquisición[2], y en el 2009 estuvo seleccionado[3].

Conociendo esta información, aproveché la oportunidad para preguntarle qué tanto ha afectado su obra el hecho de haber ganado arte joven, y me contesto lo siguiente:

Creo que en su momento fue fuerte, yo tenía 22 años o 23, entonces fue un levantamiento del ego increíble. Ese hecho creo que no afectó mi obra en sí pero personalmente me movió muchas cosas.

La obra continuó un curso hacia los símbolos religiosos, continúe mi trabajo, pero lo hubiera hecho igual sin el premio.

No quiero que se malentienda, me facilitó muchas cosas, pero no fue determinante para mi producción, a lo más hice un par de piezas con más presupuesto, pero no mucho más, mi materia de trabajo es de bajos costos.

Creo que por la información que ya tenía suponía un poco por donde iban sus intereses,  pero de todas maneras le pregunté directamente y me respondió: “Arreglar mi casa, viajar, hacer ruido”, luego ya más en serio continuó “Me interesa armar proyectos colectivos y comunes con gente creativa, y que mi trabajo pueda servir para modificar algo en un buen sentido, hacer cosas que puedan servir a repensar las cosas que damos por sentadas. Incidir en la cultura de forma positiva.”

Quise publicar este texto a unos días de inaugurado el concurso, pues creo que el ejemplo de Meme, con lo poco que lo conozco, me permite reafirmar que lo más valioso es el trabajo, pues si bien él obtuvo el premio en 2008, después de eso podemos ver (si investigamos un poquito sobre su trayectoria) que ha estado en actividad constante, participando en concursos, proyectos, produciendo obra y continuando su formación académica y como él dice el premio le permitió hacer piezas con más presupuesto pero igual hubiera producido sin el premio.

A continuación agrego una imagen de uno de sus proyectos más recientes.

Los invito a investigar más sobre el trabajo de este artista. Aquí les dejo una liga de un sitio en donde publicaron acerca de dicho proyecto:

http://drik.mx/03012014/tr1.html

Ignoro las actividades desempeñadas por otros jóvenes ganadores del ENAJ, luego de haber sido premiados, pero espero que la mayoría continúe trabajando y su premio no haya sido sólo un chispazo de buena suerte.

Y para los que no lo hemos ganado, no hemos obtenido mención y ni aún hemos sido seleccionados y tal vez no lo seremos, por las razones que sean, confío que el trabajo nos avale aún sin premios. Así que a buscar estrategias para producir.

Termino aquí el texto para dar énfasis a la parte del concurso, sin embargo las opiniones de Meme respecto al tema de educación, que obtuve mediante la entrevista realizada, me parecen de lo más interesante, así que próximamente estaré escribiendo al respecto.

Bere Cortés

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[1] Meme es licenciado en Artes Visuales por la ENAP y actualmente se encuentra estudiando una maestría también en Artes Visuales en la UNAM con una investigación sobre procesos económicos y arte contemporáneo.  Desde hace algunos años se desempeña como docente del laboratorio de video en la Unidad de Vinculación Artística, del Centro Cultural Universitario Tlatelolco también de la UNAM, y es miembro fundador del colectivo NOD-os, entre muchas otras cosas.

[2] La pieza premiada se titula Reconstrucción (C.M.G.M.), es una instalación escultórica, y consiste en un conjunto de esculturas, de santos, rotas. Cada escultura esta reconstruida por pedazos que no necesariamente eran las partes que tenía antes de haberla roto.

[3] La pieza seleccionada en esa ocasión lleva por título Slow burn (S.J.P.)  y según me cuenta, es una activación escultórica, un cubo de cera contenido en una caja de acrílico con llantas, donde se proyecta un video del proceso de trasformación de San Judas en un cubo.

Narraciones con un amante dragón que viaja por el viento para verme

Conversaciones con ilustraciones de Francisco Toledo sobre las fábulas de Esopo.

Clara Vagley

Cuando de mujer, tanto me deseaba cierto joven toledano que le pidió a Venus me convirtiese en gata; accediendo, la diosa me transformó en una hermosa y elegante felina de lengua filiforme.

Mientras el toledano y yo lamíamos delicadamente hasta el último trozo de carne en nuestros huesos, Venus quiso probar si habiendo cambiado mi forma había logrado modificar también mis costumbres. Por lo que hizo que apareciese frente a mí, una suculenta presa; momento preciso en el que olvidé mi figura placentaria, y me lancé sobre ella para matarla con un único y tenaz mordisco, al momento, la diosa se volvió a mí y me regresó a la forma humana.

El joven toledano, sin distinguir de runas, me coge, transformándome a placer de gata a mujer y de mujer a gata, cada vez que lo solicito.

Un día, aburridos de mi cuerpo cardinal, en una cópula quisimos convertimos en serpientes aladas; para jugar a matarnos por constricción y movernos ondulantes por tierra y aire; cambiar de piel; para reparar heridas y librarnos de parásitos externos. Dormidos sobre un camino, pasó una zorra al lado nuestro; envidiosa de nuestro cuerpo alargado y resbaladizo, y pretendiendo ser igual, se echó por tierra a mi lado, intentando parecer serpiente, trató de alargarse cuanto podía, hasta que, al fin, por extremar su esfuerzo, la imprudente zorra reventó. Esto sucede ―me dijo el toledano― a los que rivalizan con adversarios fuertes; sucumben por sí mismos antes de poder merecerlos como enemigos.

En nuestro horizonte reptil, vimos otra zorra hambrienta, al ver colgando una parra de hermosos racimos de uvas, quiso atraparlos con su boca; mas no pudiendo alcanzarlos se alejó diciéndose a sí misma:

―¡Han de estar verdes!

Ciertos hombres que no pueden llevar adelante sus asuntos por culpa de su incapacidad, imputan a las circunstancias, sin saber que, a menudo, lo que el azar nos niega, el arte de hacer nos lo da gratuitamente ―dijo el toledano.

Mi amante enamorado era un hombre de edad mediana que fue amado por dos mujeres. Una de ellas intentaba ocultar la edad de mi toledano; otra, una joven, ni siquiera los sabía. Ambas mujeres, queriendo verle semejante a ellas, empezaron a arrancarle alternativamente los cabellos. Mi amante, creyendo en los cuidados de sus amantes, vióse de repente calvo, pues la joven le arrancó hasta el último de los cabellos blancos, y la vieja, los oscuros.

Así, con mi amante dragón, serpiente calva, liada a su lomo como su amada ofidia recorremos 1600 kilómetros de placer sumergidos en agua o aire.

Entrevista a Regina José Galindo

Después de tanto preámbulo, y de cuestionarme una y otra vez cual sería la forma más adecuada para hablar sobre la entrevista que realizamos, hace dos meses, los integrantes de La Agencia a Regina José Galindo, he decidido seleccionar algunas declaraciones que de manera personal me resultan interesantes, por cierto que algunas de ellas tienen que ver con temas que siguen desatando discusión en el contexto del arte en Aguascalientes.

De manera general Regina nos habló sobre sus inicios en el arte, algunos aspectos sobre su práctica artística y la situación de violencia de Guatemala, así como su opinión respecto a cuestiones relacionadas con la formación de artistas contemporáneos.

Casi al inicio de la entrevista, nos mencionó que ella no estudió arte y al preguntarle si esto le facilitó el abordar prácticas artísticas contemporáneas nos contestó textualmente: “No necesariamente, al contrario, te hace el campo más difícil porque tienes un montón de agujeros en tu haber que vas llenando poco a poco.”

Más adelante agregó las razones por las cuales considera tan importante llenar esos agujeros en el conocimiento sobre la historia del arte clásico, para desarrollar piezas de arte contemporáneo:

“Es como si fueras un médico, puedes ser un terapista holístico que utiliza nuevas terapias, pero que tanta capacidad vas a tener para curar a un paciente si en realidad no tienes el conocimiento científico del cuerpo, es lo mismo en el arte, tienes que adquirir ese conocimiento, para poder estar en este momento hay que conocer la historia, es la base de todo, un poco esta discusión, lo contemporáneo no pelea con lo clásico,  lo contemporáneo es una evolución, es un paso más de todo lo que está detrás, no estamos peleando contra la pintura, una pintura maravillosa entra perfectamente en el campo contemporáneo si la intención del pintor es hacer arte contemporáneo. Es información que necesitas tener, porque la ingenuidad no es un valor, un artista ingenuo es un artista naif, necesitas tener las herramientas y si la vida no te las dio en su momento pues tienes la obligación de tratar de rescatarlas y tratar de involucrarte y saber. Es como un escritor que no lee, ¡me entiendes! es lo mismo, qué estás escribiendo, cómo sabes que estás haciendo un aporte, si no tienes conocimiento de los escritores de 1900, de 1800, tienes que leer, sobre el conocimiento se puede construir.”

Rescato esta respuesta completa ya que en ella menciona dos cosas relevantes, la primera es la necesidad de conocer la historia y de que en caso de no tener esa información hay que comprometerse a buscarla, a involucrarse. Es relevante mencionar que así como en su caso, existen otros artistas que, al carecer de estudios oficiales sobre arte, van llenando esos “agujeros” de conocimiento por su cuenta. Me interesa señalarlo porque nos indica que contar con un documento que nos avale, no necesariamente va a determinar la calidad en la producción artística. Pero tampoco se trata de menospreciar los logros de quienes si cuentan con tal documento de manera meritoria, simplemente hay cosas a las que se puede acceder si cuentas con él y si no es así pues será necesario buscar otras opciones[1].

El segundo punto que toca es la afirmación de que lo contemporáneo no pelea con lo clásico, sino que es un pasó más de todo lo que está detrás. Afirmación sencilla y contundente, para la percepción tan generalizada de una lucha que ¡cómo nos empeñamos en sostener!

Respecto a la producción de sus piezas nos compartió algunas declaraciones, que debo aceptar disfruté mucho, pues escuchar a un artista hablar de su trabajo y percibir su convicción e interés, es muy motivante. Nos contó lo complicado que le resultó permanecer quieta en el performance Punto Ciego hasta que finalizó, pues los ciegos, fingiendo no darse cuenta de que se trataba de una mujer, un ser humano viviente, la agredían sabiendo que nadie los observaba. Lo que transformó radicalmente su idea inicial de “pobres cieguitos”. Otras experiencias que nos relató tienen que ver con las piezas Vértigo, Waterboarding y America's family prison, las cuales podrán escuchar en la entrevista completa.

Nos platicó además que previamente a la realización de sus piezas lleva a cabo una investigación, la profundidad varía de acuerdo a cada obra y regularmente escribe antes de realizar los performances, textualmente dice: “[…] sigo utilizando la palabra para pensar en mis ideas, siempre las escribo primero, trato de hacer el ejercicio de escribir un texto, un poema previo al performance, es como un ejercicio de precisión, si no llego a concretar un poema es porque me están sobrando elementos visuales también. De esa forma yo limpio los trabajos.”

Cabe aclarar que Regina inició escribiendo y posteriormente empezó a hacer performance. Y aunque no es  muy reconocida como escritora, tiene algunos libros que le han publicado medios relacionados con el arte.

Partiendo un poco del tema de la investigación, le preguntamos sobre el hecho de explicar las piezas, ya que también en este punto hay opiniones divididas, pues hay quienes sostienen que las obras deben hablar por sí mismas y se oponen al hecho de explicarlas y por otro lado hay quienes consideran que la investigación y los argumentos pueden hacer que una pieza funcione. Al respecto Regina nos contestó:

“Yo explico mucho mi trabajo, o sea tu no explicas la imagen, la imagen habla por sí sola,  pero explicas que te llevó a tal imagen, que te motivo a hacer tal idea, […] cuando [una pieza] se presenta en un museo no estoy yo hablando ni tienen una grabadora con mi voz como un periquito contando que fue lo que pasó, pero a mí me da ciertas certezas tener esa información .”

Otra pregunta que surgió fue sobre las piezas fallidas, porque luego es fácil quedarse con la idea de que cualquier cosa que resulte se muestra como pieza.  Pero lean ustedes mismos su respuesta:

“Si he tenido acciones fallidas, he tenido varias y bueno, no las muestro porque, el performance tiene esta cualidad, o este defecto, que no lo puedes probar antes, entonces es muy frustrante, porque cada pieza lleva mucho proceso, inviertes mucho tiempo pensándolo, plata, imagínate viajar para hacer una obra que al final te quede mal […].”

“Yo pienso que en el arte acción, en el performance, siempre hay un rango de improvisación, especialmente cuando trabajas con voluntarios o con el público, pero es una improvisación que dejas en manos de ellos, yo nunca improviso, yo tengo muy claro que es lo que yo voy a hacer, que es lo que quiero conseguir […] pero hay obras completamente fallidas en donde se me ha modificado completamente la imagen que yo tenía en la cabeza, en donde la construcción de la obra no ha sido mía, sino del público, es una obra fallida. […] no lo hice yo, no me importa si fue mucho mejor y  la mejor obra que yo voy a tener en mi haber, yo no voy a saludar con sombrero ajeno, eso no fue lo que yo planeé, no tiene nada que ver, así, me niego a presentarla, se queda como experiencia y ya.”

Considero digno de resaltar la honestidad que manifiesta cuando dice que no va a presentar un escrito que no escribió, que no va a saludar con sombrero ajeno.  

Al continuar hablando sobre su trabajo, hubo una declaración que me llamó la atención de manera especial, fue la que hizo acerca del uso del término artivismo:

“[…]eso creo que es algo que ha pasado en Guatemala, que no nos hemos limitado a desahogarnos o a hacer catarsis, sino lo que nos interesa es hacer arte, no nos interesa hacer artivismo, ¡me entiendes! que también eso a veces confunde mucho, toda esta terminología nueva que “eres artivista”, ¡no! en mi caso yo estoy muy clara que yo soy artista, y estoy en contra de estas nuevas terminologías porque creo que es una forma de ningunear a un artista, es muy fácil decir: ah el artista es el que viene de Nueva york o de Europa porque es artista y hace arte formal, el que viene de Latinoamérica es un artivista. ¿Por qué?, o sea los mismos valores formales tiene mi pieza que el trabajo de un europeo, tengo la misma intención de hacer un buen trabajo artístico, no quiero cambiar el mundo, quiero hacer arte. Que tenga una preocupación política con la cual nací, con la cual crecí, es distinto, pero tomé la decisión de ser artista, no soy artivista, un artivista utiliza el arte con otros objetivos, utiliza el arte para tratar de cambiar tal ley en la constitución, para hacer tal manifestación, pero su objetivo no es la pieza, no es el arte, o sea su objetivo es distinto, es humano, entonces el artista tiene el objetivo principal de hacer obras de arte. Así de frío y así de egocéntrico, pues sí, eso es lo que hace un artista.”

Debo mencionar que personalmente no tengo conflicto con el uso del término, incluso si no hubiera escuchado esta declaración de Regina creo que probablemente yo habría considerado su trabajo muy cercano al artivismo debido a las temáticas que aborda. Sin embargo cuando ella argumenta que el uso del término es una manera de ningunear al artista, caigo en la cuenta de que mi concepción del término no tiene que ver con menospreciar el trabajo de nadie por su nacionalidad, sino al contrario, cuando lo he escuchado o leído es en un tono favorable. Pero como luego se dice "cada quien habla según le va en la feria".

Respecto a la pregunta que le hicimos acerca de su opinión sobre el conflicto como motor para la producción de arte, obtuvimos la siguiente respuesta:

"Bueno, no creo que sea necesario, ni que sea el único detonador, ni la única fuente de inspiración de un trabajo. Si tu naces en un país con tanto conflicto como Guatemala, tienes dos opciones o te metes en una burbuja y eres un desgraciado, ciego, que no te interesa lo que está sucediendo o te vuelves un ser sensible, […] no puedes ser gris, entonces hay muchos artistas, buenos artistas que tienen trabajo formal, como Darío Escobar, por ejemplo, pero de hecho dentro de su producción netamente formal, siempre vas a encontrar un hilo de intención política, porque es muy difícil vivir en un contexto tan complicado y desligarte completamente de él, naces en ese contexto, naces con esas preocupaciones."

Por último, ante el interés que tenemos en La Agencia en cuestiones de educación, estuvimos platicando sobre las asignaturas que debería tomar un estudiante que pretende ser artista contemporáneo. Según Regina todo debería ser teórico:

“[…] lo que necesitas es dar teoría y una teoría que venga de muchos lados, quizá lo más interesante sería información antropológica, psiquiátrica y psicológica, sociológica, de leyes; información de muchos campos, porque eso es lo que hace un artista contemporáneo, que pudieras manejar, la información y el conocimiento desde varios ámbitos, muchas perspectivas, muchas aristas de un mismo problema, ya la información artística quizás es algo que tú solo te lo puedes buscar más fácilmente […].”

Sin duda esta cuestión sobre la formación de artistas contemporáneos es un tema interesante y aunque cualquier persona puede emitir una opinión al respecto, me parece que saber lo que opinan los artistas que se mueven en ámbitos internacionales, nos puede ser muy enriquecedor.

Podría continuar escribiendo sobre los temas tratados en esta charla, pero por ahora prefiero detenerme en este punto e invitarlos a ver la entrevista completa la cual publicaremos en este sitio los próximos días.

Un agradecimiento especial a Regina por la disposición para realizar la entrevista y por enviarnos sus poemas de los cuales ya hemos publicado un par en este blog y posteriormente seguiremos publicándolos.

Ensayo provisorio 3/3

Bere Cortés

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[1] La misma Regina nos menciona en la entrevista que por no tener estudios de arte no puede ser maestra pero tampoco es algo a lo que aspire. Y que su campo de trabajo tiene que ver con proyectos que se enfocan en la producción de obras, más allá de la formación académica.

Perra

Sentía como la vista se le nublaba en medio de un gemido que le salía desde el fondo de las entrañas. Era un orgasmo, del que tantas y tantas veces había oído hablar. El que tantas y tantas veces había buscado de diversas formas. Masturbándose con las manos, con una botella, con un consolador sin pilas, con un vibrador, cogiendo con los primos, con los del barrio, con su nuevo novio Manuel.

Nunca podría tener la certeza pero todo indicaba que esa falta de aire, ese retorcijón en medio de su vagina, en un punto exacto que no podía ubicar, era un orgasmo. Sus ojos permanecían cerrados y esos segundos de placer le parecieron la razón de su vida entera.

La bolsa de nylon que le cubría el rostro, ahora con una extraña sonrisa, se le terminó de pegar a la piel, la fuerza que la sostenía en cuatro patas, dejó de correrle por los músculos. Ya no sentía nada, ni ardor en la pierna navajeada, ni dolor en la mano sin dedos, ni miedo, ni odio, ni impotencia, solo una corriente de paz y ganas de no abrir los ojos nunca más.

El hombre, que no llegaba ni siquiera a los dieciocho años de edad y que, sin embargo, tenía más vida que un militar de sesenta, se percató que el cuerpo al que estaba penetrando, era ya un cuerpo muerto.

Igualmente siguió, una y dos veces, una y veinte veces, no iba a quedarse con el semen dentro, ya que eso luego le causaba grandes retorcijones en la base de la verga.

Inmediatamente después de la erupción, se sacudió el miembro sobre el cuerpo inmóvil, se lo guardó entre los pantalones anchos de lona y dijo en voz alta -esta puta ya palmó, mejor nos apuramos a terminar el trabajito y nos rajamos.

El Payaso, que aún no había gozado, levantó una mano en señal de desaprobación y dijo que el no se largaba a ninguna parte sin antes metérsela a la jaina -que deahuevo ustedes cerotes como ya están desquesados, pero yo así no me regreso a mi chante, caras de mi verga, ahora se esperan culeros.

Luego de eso se acercó al cuerpo, lo puso boca arriba, lo estiro bien y se le echó encima para facilitar la penetración, como estaba tan caliente, de tanto ver, se vino en pocos minutos.

Los demás se rieron casi al mismo tiempo, el Pinki dijo -este hijueputa no aguanta naaa, mejor no le conecto a la Rossana que la va a dejar con ganas.

Entre todos, que eran seis, exactamente seis, cogieron a la mujer; o lo quedaba de ella. La extendieron sobre un nylon. El Payaso, con un cuchillo de cocina oxidado le corto las orejas y las metió dentro de una bolsa amarilla de Paiz. El líder de la clica, el más ácido de todos, el más cabrón, conectó el cuchillo eléctrico que se habían güeviado especialmente para esos menesteres y empezó a cortarle la pierna izquierda, en la que antes, cuando aún estaba vivita y coleando, le habían escrito la palabra PERRA con una navaja.

La sangre salpicaba de forma sucia y descontrolada manchando todas las paredes. El Kalaka, sin pensarlo, alegó por el desorden que se estaba haciendo -ala gran puta vos, esta mierda si nos va a costar limpiarla, trabaja más limpio manito, como un profesional. Todos, al unísono, volvieron a reir.

- Mejor pasame esa caja y hacete shooo, cara de mi culo, le dijo el Bronson al Kalaka. A los pocos segundos la pierna lucía dentro de la caja de carton de Pasta Ina como un cadáver en su propio ataud.

La caja fue depositada de madrugada en una calle de la zona 3. Las orejas se las guardaron ellos de recuerdo. El resto del cuerpo, el tórax, la cabeza, los brazos, la otra pierna, fueron cortados luego, metidos como fuera en bolsas negras Kanguro y depositas sin orden en diferentes puntos de la ciudad.

-Este tiene que ser un orgasmo se decía ella para si misma, del que tanto me habían hablado, el que tanto había esperado.



Regina José Galindo

... vengo de la típica familia de clase media...

Nunca nadie me invito a una cerveza

nunca nadie me compró  un vestido

nunca nadie pagó la renta de mi casa

el colegio de mi hija

las cuentas del hospital

soy tan soberanamente independiente que me doy tristeza

cuando muera se repetirá la historia

nadie me regalará flores

nadie me comprará una lápida

nadie pagará mi entierro

me dejarán podrir al aire libre

y me comerán los zopilotes

yo me iré ligera sin dejar deudas

mi única herencia serán unas fotos en alta resolución

tres docenas de malos poemas

y un puñado de notas de prensa para envolver los huesos

dejados por los carroñeros

Regina José Galindo

Hace aproximadamente un mes, de manera inesperada, me informaron de una conferencia que daría Regina José Galindo, en las instalaciones de la Universidad Autónoma de Aguascalientes (por cierto que en el momento que me preguntaron si la conocía, se me vino a la mente su pieza ¿Quién puede borrar las huellas?) así que de inmediato decidí asistir, aunque tendría que arreglármelas para acudir, pues tenía cierto compromiso en la fecha y horario de la conferencia.

En esa misma semana estuve buscando más información sobre el trabajo de esta artista guatemalteca, y así fue como encontré una entrevista en donde la misma Regina hacía una declaración que me resultó muy significativa, pues me identifiqué completamente:

"Yo tenía trazado otro destino, debía ser una mujercita de casa. Ser secretaria hasta encontrar un hombre de clase media y casarme. Me las arreglé para ser artista, me autoformé para llegar a ser artista porque yo lo decidí."*

Estas palabras me llenaron de entusiasmo y me interesó mucho más escuchar a Regina hablar de su trabajo.

Finalmente el día en que se supone se llevaría a cabo la conferencia, me trasladé hasta la Universidad pero en el camino iba dudando de que realmente esto fuera a ocurrir, y es que no había visto ningún tipo de difusión por parte de la Universidad y siendo una artista internacional eso me resultaba extraño. Con todo y eso asistí. Llegué y pregunté a uno de los encargados del edificio, dónde era el evento, él me indicó la única aula que estaba siendo ocupada en ese momento pero me dijo que no tenía más información y que preguntara ahí adentro.

Entré al aula y mientras los organizadores terminaban de instalar el equipo para la presentación, yo observaba a los asistentes esperando encontrarme por ahí a algún conocido, pero no fue así. Continué esperando sin preguntar nada, después de unos minutos presentaron a la expositora y como lo había sospechado, no era Regina. Sin embargo algo interesante estaba pasando pues la ponente comenzó a hablar de escritoras centroamericanas con una postura, creo yo, feminista, así que  empecé a relacionarlo con Regina pues había leído que ella escribe. Hubo un momento en el que dudé en quedarme, pero después de todo ya había ido hasta allá y el tema me resultaba atractivo, ya durante el transcurso de la conferencia me enteré que la de Regina se había realizado un día anterior.

Al término de la conferencia encontré a una amiga, estudiante de la universidad de las artes quien platicaba con una chava, me acerqué y pude percatarme que era Regina José Galindo. Comencé a conversar un poco con ellas y le pedí a Regina una entrevista, rápidamente aceptó y quedamos de vernos en la recepción del hotel donde se hospedaba.

De inmediato contacté a mis compañeros de La Agencia para informarles sobre la entrevista que haríamos unas horas más tarde.

Hay muchas cosas que comentar sobre la entrevista, pues se tocaron varios puntos que me parecen muy interesantes, pero prefiero tratarlos en una próxima publicación. Por ahora solo me gustaría detenerme en uno de ellos para compartirles que le mencioné a Regina que había leído su declaración de que ella tenía trazado otro destino, que debía ser secretaría pero se las arregló para ser artista porque ella lo decidió, ante esto respondió contándonos su experiencia personal:

“De hecho yo soy secretaria, tengo un título de secretaria, no pase por la universidad, lo que para mí en un principio era vergonzoso, pero ahora es un orgullo. Al final mis padres me dan la educación que me pueden dar, vengo de la típica familia de clase media que los hombres van a la universidad, las mujercitas que estudien secretariado para que puedan trabajar en lo que se casan, porque por más que te quisieran es como te veían. Y todavía te estaban dando la carrera de secretariado.

Pero es muy rico poder decir: pues tampoco la tenía tan fácil y al final tu puedes hacer lo que quieras con tu vida, si eres precisa y sabes a dónde vas, lo haces.”

Considero que esta declaración es muy importante ya que nos habla de la determinación que la ha llevado a ser la artista que es, y de paso nos muestra el contexto al que nos enfrentamos muchas mujeres latinoamericanas, en el que todavía la sociedad espera que nuestro rol fundamental sea el de amas de casa.

Continuando con el tema de sus estudios, en otro fragmento de la entrevista nos menciona que ella no estudió arte, es decir no tiene una formación artística certificada por una escuela, y aunque reconoce ciertas desventajas al no tener un título otorgado por una escuela de arte, me parece evidente que ha sabido dirigir su trabajo hacia campos que le interesan y en donde más allá de tener un título o no, su obra es lo más importante. 

Ensayo provisorio 2/3

Bere Cortés

P. D.: Aunque en un principio me decepcionó no enterarme a tiempo del cambio de la conferencia de Regina, parece que al final eso fue favorable pues de haber sabido que se cambió para el 2 de abril en lugar del 3 otras actividades me habrían impedido poder ir y todo habría quedado así. Sin embargo gracias a la desinformación y un poco de suerte encontré a Regina el miércoles 3, nos dio una entrevista y ahora nos ha enviado algunos de sus poemas, uno de ellos es con el que inicié este texto, pero los próximos días estaremos subiendo otros.

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* http://www.revistaamiga.com/Amiga464/111827212342.htm#.UXhDFKKQWSq